Cinegastronómica

Videodrome (1983)

2011-12-23T17:01:00.005-03:00

Videodrome

Dirección: David Cronenberg

por Gad

Antes de que nuestros cuerpos fueran portadores de chips y puertos USB, antes de que fuera posible descargarse en la retina las últimas actualizaciones del GPS, los manuales de hipocondría para principiantes y los últimos hits de Osho y otros grandes enseñadores de cómo vivir, hubo una época en la que lo nuevo era el VHS, y todo el mundo leía a McLuhan.* Desde esa época, y con su permanente confrontación entre cuerpo, mente y tecnología, Cronenberg nos presenta Videodromo, una película alucinada que sigue los pasos de Max Renn, mojigato director de un canal porno, en el proceso de adquisición de un tumor/nuevo-órgano-del-cerebro que alterará completamente su percepción y construcción de la realidad. En un ambiente dividido entre extrañas iglesias dedicadas a ofrecer exposición a los rayos catódicos a los pobres, y corporaciones ultrafascistas que buscan adoctrinar a América para dominar el mundo (antagonistas que, en definitiva, no parecen tan diferentes), la historia de Max, el hombre-cassettera siervo de la tecnología, nos ilustra sobre la violencia y el deseo en los medios de comunicación, sobre la trivialización y desesibilización actual, sobre cómo los medios modelan nuestro sensorium y por qué no hay que introducirle una factura en el vientre a un hombre mediante un argumento atrapante e imágenes estupendas, espectaculares, violentas y fascinantes.

Para ver después de Bailando por un Sueño o programas equivalentes con una dotación enorme de bolas de fraile.

* Marshall McLuhan: Gran profeta de la tv, Internet y todo lo demás, teórico de la aldea global y maestro de los recursos didácticos. Autor de "El medio es el masaje/mensaje", afirmaba que las tecnologías son extensiones de nuestros órganos o facultades. (El arma de los puños, la televisión de nuestro sistema nervioso.)

Shivers (1975)

2011-12-20T16:07:00.000-03:00

Shivers

Dirección: David Cronenberg

por Gad

Shivers: la película con final feliz en la que zombies de piel fresca buscan tu cuerpo, no tu cerebro, para celebrar orgías y fiestas todas las noches. Originaria de countries y barrios no tan cerrados, viene con perversiones pintorescas, parásitos de laboratorio que queman pero pueden vivir perfectamente dentro de tu cuerpo, médicos de excelente puntería, el horror de la destrucción de las diferencias y el estatus, y la solución perfecta para la hiperracionalidad del mundo actual (¡horror! ¡ni curas ni científicos pueden remediar lo que viene de adentro!).

Se prevé su pronta democratización y diseminación. Apta para toda la familia, e ideal para acompañar con gorgojos.

Rashomon (1950)

2011-10-12T14:28:00.004-03:00

Rashomon
Dirección: Akira Kurosawa
por Gad

La película sobre una de las grandes dudas existenciales. ¿Cuál es la Verdad? ¿En qué creer? ¿Qué versión es pura, inocente de todo interés personal? Bajo una lluvia incesante, obviamente simbólica, tres viejos con dolor de huesos y no tanto chusmean amargamente sobre estas cuestiones y otras más a partir de las diferentes versiones de las historias (contadas por sus propios protagonistas) de un samurai asesinado, su mujer violada y un renombrado bandido quizás acobardado y lo que pasó entre ellos en el bosque. Basada en los cuentos "En el bosque" y "Rashomon" de Akutagawa, viene con muertos que hablan, problemáticas de clase, estudios de género, cuestiones de honor y final esperanzador pero agridulce. La película en la que uno entiende por qué que un pobre sin nombre (Takashi Shimura, que es todos los pobres) robe un objeto de valor inútil no es tan censurable en ciertas circunstancias, en la que la imagen de la japonesa sumisa se rompe en risa ante los “machos”, y en la que Toshirō Mifune (el bandido Tajōmaru) gesticula tanto que uno termina preguntándose si es realmente un hombre.

Viene con versión libre del “Bolero” de Ravel, no dura tres horas y media como Los siete samuráis y es ideal acompañada de mijo atragantado y té verde.

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Publicada originalmente en el segundo número de la revista Gato Blanco.

Balada triste de trompeta (2010)

2011-09-01T20:45:00.001-03:00

Balada triste de trompeta

Dirección: Álex de la Iglesia

por Gad

Busque críticas sobre la última de Álex de la Iglesia por internet: abundan las muy muy negativas. En este blog partimos de considerar, como todo crítico de buen juicio, que los detractores tienen razón. Podemos decir muchas cosas sobre Balada triste de trompeta. Nostálgicos, que el Álex de la Iglesia de El día de la Bestia ya no vuelve más. Que no arranca ni una risa. Que es una película tremendista, exagerada, esperpéntica y ridícula. Que el ritmo narrativo es sobresaltado, a veces demasiado rápido, poco creíble, 'inverosímil'. Que es pura cita, puro pastiche. Que la metáfora es evidente. Que es un fantoche.

Los detractores tienen razón. La gran analogía de la historia de España luego de la Guerra Civil y durante el régimen franquista es el circense trío entre una trapecista golpeada, un payaso tonto autoritario y violento, y otro apaleado y vengativo payaso triste, y termina en un final esperable. En el medio, idilios románticos propios de Underground de Kusturica, sueños a lo Brazil de Gilliam, clímax a lo Hitchcock, huidas, hombres salvajes, gore tarantinesco, raptos, acosos, autotortura, payasos asesinos, peleas, más golpes, Batman y King Kong se suceden en un torbellino fugaz en medio de una atmósfera bizarra de mucha mezcla. Los detractores tienen razón. Balada triste de trompeta es una de las películas más esperpénticas de los últimos tiempos, y hasta le gana en 'freak' a Acción Mutante. Se equivocan, sin embargo, en la apreciación. Todo lo presuntamente criticable de Balada triste de trompeta hace a sus virtudes. El sesgo poco cómico de la Balada, su carácter hiperbólico, y fantochesco, su sistema de citas y su ritmo narrativo apuntan todos a la construcción de la metáfora, y lo logran con creces, generando un producto artístico consistente, aparte de bello. El relato es sólido, es abrupto, violento: lo grotesco de sus personajes y su desarrollo irregular es lo grotesco de aquello que pretende mostrar, lo trágico de ese país que, dice alguno, "no tiene remedio", que se quiebra estrangulado en medio de una pelea seria, ridícula, de tiranetes antagonistas cuasi absurdos, metodológicamente idénticos.

Gran película. Para mirar sin muchas expectativas un día de semana a la noche, con pan, sopa de municiones y Raphael, y sorprenderse gratamente.

Tropa de Elite I y II (2007, 2010)

2011-03-14T13:42:00.006-03:00

Tropa de Elite I y II

Dirección: José Padilha

por Gad

Tropa de Elite I allá por el 2007 fue mi entrada al cine brasilero, junto a otros clásicos. Me gustó tanto que conseguí todo lo que pude de Wagner Moura (incluyendo esa película insulsa y reduccionista, típico producto del cine norteamericano barato, que es Woman on Top), y luego de Lázaro Ramos, y luego de algunos directores. Después encontré otras cosas y dejé el cine brasilero un poco de lado, hasta ayer. Así que, retomando, vi las dos películas de un tirón, y esto de acá, que no es un Cinegastronómica, y que puede contener algún que otro spoiler, es resultado de ese repaso.

Decía que Tropa de Elite I me gustó. Añado que la II es igual de buena. Me hacen pensar en un paso del policial negro según Todorov (con detectives/fuerzas del orden pertenecientes al "Sistema" que usan las mismas técnicas que los criminales marginados) a algo que me recuerda al policial francés de los 70 de Costa Gavras (Z) y Verneuil (I...comme Icare), ese en que se nos muestra a investigadores pertenecientes a (con un cargo en) el sistema que se enfrentan al mismo. Dos diferencias importantes: en esas películas francesas (pienso en I... como Ícaro), la falta de inmunidad del detective resulta en su fracaso o muerte a manos del sistema perverso, mientras que en Tropa de Elite, si bien con un final bastante abierto, pero en el que ciertamente los resultados del juicio hacia los principales responsables son limitados (como siempre, caen las figuras dispensables, no se modifica el gran entramado), hay algo esperanzador: no se gana la guerra, pero sí una batalla. Y eso se relaciona con otra diferencia importante, que radica en el héroe, el capitán Nascimento, quien ciertamente no tiene un pasado intachable (a diferencia de los héroes franceses), que ayudó a perpetuar aquello contra lo que ahora se enfrenta, y que estuvo sumergido en lo sórdido como típico detective de policial negro, pero que, también por ello, tiene las herramientas para no ser neutralizado, y para enfrentarse eficazmente a la corrupción, aunque tarde en percibir dónde reside. Es un héroe que se enfrenta a ese entramado de poder desde una posición básicamente humana, contradictoria, conflictiva y, sobre todo, sujeta a cambio; tiene una vida más allá de la investigación, y es ese espacio de lo íntimo necesariamente condicionado por el marco político y social lo que también exploran las dos películas de Padilha, algo que en el cine francés que conozco no vi demasiado.

Acabada esta comparación quizás un tanto caprichosa, pasemos a la otra, la que radica en la intersección de las dos películas. Tropa de Elite II es la construcción exploratoria del héroe a partir de un antihéroe. Padilha, leí por ahí y por allá, se horrorizó por el hecho de que muchos aceptaron y defendieron la violencia del BOPE como necesaria en la primera película, cuando él trataba de mostrar la "deshumanización", por decirlo de alguna manera, de un antihéroe criticable (no hay una cita explícita del director en los artículos que leí que confirmen esta intención, pero supongamos, para los fines de este artículo, que fue así). Entonces aparece esta segunda parte, Tropa de Elite II, en la que ese protagonista polémico leído por muchos como héroe se transforma para cristalizar un mensaje. El camino para devenir héroe es riguroso: en principio, el protagonista es "castigado", es decir, sus actos originan consecuencias (en el caso personal, la destrucción de todo su entramado afectivo: si en la primera película muere su primer sucesor y lo abandona la esposa, en la segunda efectivamente vemos que no recuperó a su familia, y que es asesinado su segundo sucesor); en segundo lugar, su monologuismo, excluyente en la primera película (en Tropa de Elite I es por lejos su voz la que se impone por la técnica del monólogo interior, más allá de las voces complementarias que, expuestas de manera crítica, se presentan para reafirmar su posición o para discutirla débilmente), recibe un contrapeso con la figura del intelectual de izquierdas, el diputado Fraga (que recuerda a la perfección a los investigadores intachables del cine francés que mencioné), quien tiene un lugar equivalente al de Nascimento (conoce la realidad social desde abajo, como él; su discurso tiene peso, es oído en la película; y hasta se casa con su ex mujer); en tercer lugar, su postura se muestra en perspectiva como dependiente de y funcional a los discursos (ridículos, parodiados) y las acciones de encumbrados sectores del poder; y finalmente, él mismo se descubre equivocado y "cambia de bando" (si bien no se contradice en sus objetivos, amplia su mira sobre el asunto y busca otras alianzas, aunque signifiquen contradecir su inclinación por un deber -es decir, le da la razón al enemigo natural, el "macho alfa" en su grupo familiar perdido: el marido de su ex-mujer que hace de padre de su hijo), lo cual también significa que aboga por la justicia, ya no en el terreno de la acción física violenta que lo caracterizaba (aunque no reniega de esa herramienta), sino en el ámbito legal, discursivo (que es el espacio de Fraga). De ese modo, la película se cierra con la metanoia (cambio, metamorfosis) de Nascimento, y dirige al espectador una interpretación cerrada, válida, de la realidad que postula la película. Sigue siendo objeto de debate, como Tropa de Elite I, pero con un planteo ideológico explícito.

La lectura de las películas termina ahí, pero en relación con algo que leía ayer sobre las polémicas que suscitó el tan mentado "boom latinoamericano" (simplificando mucho, la narrativa de los 60 de autores latinoamericanos como Cortázar, Vargas Llosa, Fuentes y García Márquez, entre otros), y en relación con una discusión que tuve alguna vez con un estudiante de Comunicación de la UBA al respecto de recurrir a la ironía en las películas como instrumento de crítica (hablábamos de El hombre de al lado de Mariano Cohn), quería señalar que en cierta forma estas dos películas de Padilha me parecen un buen ejemplo de ese viejo temor a la ambigüedad, de la desconfianza sobre la capacidad crítica (o la dirección de la crítica) del público. La vieja diatriba entre dirigirse a un espectador capaz de explotar una película por todos sus intersticios o la de subestimarlo un tanto (¿?) y ofrecerle algo más cerrado; la de guiar u ofrecer. Con Tropa de Elite I se creyó que mostrando sin maniqueísmos las prácticas extremas del BOPE iba a alcanzar para generar una reacción de rechazo o de cuestionamiento sobre las acciones de las fuerzas del orden que reproducían la violencia en vez de ofrecer soluciones. El debate se generó, pero a veces en contra de las intenciones de los que hicieron la película. Tropa de Elite II trata de "subsanar" eso intentando generar un cambio de opinión (o la reflexión) en quienes vieron a Nascimento como modelo con el que identificarse a partir de la trasformación de este protagonista. En Tropa de Elite I termina resonando más una crítica que una apreciación de Foucault; en la II pasa lo contrario. Personalmente, las dos películas me parecen buenas; como objetos estéticos, con función de entretenimiento (y no sólo de "mensaje") funcionan muy bien. El desarrollo del personaje está muy bien tratado en las dos (que Fraga, antítesis, esté casado con su ex mujer es un graaan detalle, pero no resulta inverosímil), y la "técnica" acompaña al "contenido", es funcional a lo que se quiere dar a entender. En esa pregunta sobre si sugerir o afirmar, el trabajo de Padilha explora ambas alternativas y lo hace bien. Sería interesante imaginar cómo sería una tercera película. Problamente no la haya; para mí lo que fue firmado alcanza y sobra (agota la historia), pero me causa curiosidad pensar cuál sería la perspectiva para abordar los hechos. En qué devendría una "Tropa de Elite III". Asimismo, también sería interesante ver qué opinan luego de Tropa de Elite II aquellos que aceptaron a Nascimento y su grupo como héroes en la primera película. Quedan como planteamientos abiertos (todos, porque no me pronuncio categóricamente por ninguna posición entre las de la primera pregunta que abrí). En definitiva, no tengo más que halagos para las dos películas, no tengo críticas negativas hacia el trabajo de Padilha.

Enter the void (2010)

2011-03-14T11:30:00.000-03:00

Enter the void (Entrada al vacío)
Dirección: Gaspar Noé
por Gad

Anotaciones rápidas, dado que no tengo tiempo de desmenuzarla (si algo le falta a mis días es un poco de vacío). Aviso: SPOILERS.

- Es muy larga. Casi 3hs, poco diálogo, bastante lenta, mucho regodeo visual (eso sí, disfrutable).

- El argumento no me fascina. Un dealer drogado que estuvo leyendo sobre experiencias post mortem es asesinado, y entonces, soñada o "real", la experiencia extracorporal: se acaba el monólogo interior (voz en off) y queda el divagar de una cámara subjetiva sin cuerpo que, muerta, vive lo mismo que leyó en el libro (algo que su amigo Alex explica de manera muy oportuna y casual para que el espectador sepa de qué trata): flashbacks en los que ve parte de su vida, seguimiento de los seres queridos después de la muerte, variadas escenas de sexo random y reencarnación final que puede ser interpretada como movimiento circular (es decir, vuelve a nacer y todo se repite de manera idéntica, en una suerte de eterno retorno o loop eterno) o mera regresión de la memoria al pasado primordial. ¿Preguntas? ¿Conflictos cognitivos? ¿Dudas? Cero de eso para mí.

- Con respecto al argumento: es un viaje en todo sentido. Y un relojito: no falta ni un resorte: hay Edipo, gran accidente traumático, gran amor por la hermana, pacto (de sangre), separación trágica tras mentira de la abuela, vida marginal de drogas, gran hueco (¿qué pasó entre la infancia y la juventud?), gran reencuentro de hermanos, ambigüedad (al principio no sabemos cuál es la relación que los une, y luego, de todos modos la ambigüedad del deseo permanece), semi-incesto (reprimido e indirecto, todo porque vio a papá y mamá tener sexo), más marginalidad (traición, prostitución, homosexualidad, amistad marginal, más sexo, más sexo presuntamente "raro", pura noche, muerte: ¿qué más podrías agregar?)

- Es decir, está todo preparado para "justificar" la manera de ser de los personajes y los hechos. Pero los personajes no me dicen nada. Aunque podría señalarse alguna excepción, basta una palabra para describirlos: desapasionados -hasta cuando gritan. Esto podría ser producto de una desesperación extrema, pero más bien dan la impresión de ser muñecos acostumbrados y movidos por las circunstancias que cada tanto colisionan entre sí, y entonces se pelean o tienen sexo. Son extraños. De hecho, hasta diría que son todos tanto o más fantasmales que el protagonista muerto: son puras excusas para contar una historia, y esa historia es pura excusa para mostrar una forma. Pero el título lo avisa: estás entrando a un vacío. A un hueco. Experimentá la alienación.

- La duda: ¿dónde ubicar el viaje "post-mortem"? ¿Reencarnación o recuerdo? ¿"Final feliz" concreto, o mero deseo del que agoniza?

- Pero a pesar de todo, la construcción técnica es genial. Sostiene la película. Le da cuerpo. La justifica. Desde los títulos hasta el final. Excelente empleo de la cámara subjetiva con parpadeos incluidos (nunca deseé tanto que alguien se mirara al espejo), excelente uso del picado cenital. Es una película lenta, pero completamente disfrutable. Puro placer visual, sensual. Es decir, producto estético bello (por ejemplo, la escena inicial del viaje de drogas: nuevamente, extensa, se toma su tiempo, pero excelente).

- Me encantó el viaje por Tokio, un Tokio surreal de lo sórdido, que no tiene nada que ver con el de Sofía Coppola.

- Lo que va completamente en contra, y la diferencia de Solo contra todos o Irreversible, es que carece completamente de humor. (Como dice la Wikipedia, es un completo melodrama psicodélico).

The Limits of Control (2009)

2010-12-27T18:49:00.001-03:00

The Limits of Control
Dirección: Jim Jarmusch
por Martín Chiavarino

La última de Jim Jarmush, que llevó a muchos a los límites del autocontrol, es un juego intelectual que parte de un ensayo de William Burroughs y se embarca en un viaje de referencias al cine policial a partir de la construcción de un asesino de corte oriental adicto al Tai Chi cuyo código profesional le prohíbe involucrarse sentimentalmente durante el trabajo. Isaach De Bankolé, uno de los favoritos de Jarmush, interpreta a este asesino secreto de gran presencia, llamativos trajes y pocas palabras. Con una misteriosa misión existencialista de por medio, se pasea por las calles y los museos de Madrid, Sevilla y Almería en una especie de antitour mientras se encuentra con personajes estrafalarios en los bares españoles e intercambia con ellos cajas de cerillas con mensajes cifrados numericamente.

Ambiciosa, analítica e introspectiva, incluso molesta. Para compartir una sopa de gazpacho o incomodarse solo con un café que se enfría a medida que el ritmo de la película envuelve o expulsa la concentración.

Mary and Max (2009)

2010-12-24T15:49:00.001-03:00

Mary and Max
Dirección: Adam Elliot
por Gad

Mary and Max, el stop-motion de la correspondencia de años de un viejo gordo newyorkino lleno de psicopatologías y una en-principio-niña de Australia que se siente fea y quiere saber de dónde salen los bebés en EEUU (¿de latas de gaseosas?). El usual proceso de encanto, idealización, conflictos y aceptación del otro y restauración en algo así como las relaciones actuales, pero con la vieja tecnología del papel y sin Skype ni MSN de por medio. Ironía, humor negro, obsesividad, literalidad (¡spoiler! la escena de la silla es genial), mimos muertos y suicidios estrambóticos de peces; grandes depresiones, abandono de menores, soledad, autismo y un final agridulce que algunos podrían considerar terroríficamente similar a Retratos de una obsesión hacen que toda la gente que ve Mary and Max diga "re linda esta película", y otros pocos afirmen que los bajoneó horrendamente superando por completo sus expectativas (para bien).
Para ver con latas de leche condensada y panchos de chocolate, o la versión gourmet de café Havanna (café con leche condensada en el fondo) y alfajores chocolatosos. O ejerzan su imaginación gastronómica en el área de lo dulce, qué tanto.

El planeta salvaje (1973)

2010-12-24T15:17:00.001-03:00

La Planète Sauvage
Dirección: René Laloux
por Gad

La historia de la lucha por la supervivencia de los hombres como ratas (Oms) en el extraño planeta de los gigantes Draags, y de cómo al final podrían terminar destruidos ambos grupos socioculturales, económicos, biológicos, etc, viene también con competencia tecnológica, referencias a Los viajes de Gulliver, reflexiones críticas sobre la hegemonía y la fragilidad humanas, experimentaciones alteradas del tiempo y la unión new age de pathos y logos en extraños rituales de apareamiento meditados.

Ampliamente aplaudida por fanáticos de Ray Bradbury y asociaciones defensoras de animales, La Planète Sauvage es también la reflexión/representación francesa de plenos 70s de un mundo dividido en dos y las ¿pasadas? políticas de exterminio.

Ideal para acompañar con ensalada y agua, o con una picada, cordero, brotes de soja y cortes de ballena por puro espíritu de contradicción.

Les aventures extraordinaires d'Adèle Blanc-Sec (2001)

2010-11-06T18:43:00.000-03:00

Las extraordinarias aventuras de Adèle Blanc-Sec
Director: Luc Besson
por Juan Antonio Hidalgo

Luc Besson, director francés que nos dio joyas como 'Leon', aunque también hizo 'Juana de Arco' (con su entonces mujer Milla Jovovich), nos presenta esta adaptación de uno de sus cómics favoritos (creado por Jacques Tardi y del que se publicaron, desde 1976, nueve álbumes): las aventuras de la intrépida escritora Adèle Blanc-Sec, una jovencita aventurera y descocada, que lo mismo se disfraza mil veces para engañar y sacar a un amigo de la cárcel (en uno de los mejores gags de la peli), que se mete en un sarcófago sin sacar la momia que lo ocupa, y después se desnuda delante de ella (de la momia, quiero decir) con la intención de despertarla de su letargo de siglos.

Louise Bourgoin es la estrella absoluta de esta película (mucho más divertida e interesante de lo que a primera vista pueda parecer) con momias, pterodáctilos sobrevolando y aterrorizando París, policías feos y tontos, y una chica guapa (muy) lista que tratará de arreglarlo todo. Lo mejor es el final, en el que a ella sólo le importa que se arregle 'lo suyo'... los graves problemas creados por el camino (y que quedan sin solucionarse) le traen sin cuidado.

Para verla en cualquier momento, siempre que se tengan ganas de entrar en el juego y reír un rato, acompañado (cómo no) de algo francés... un soufflé, par exemple.

The Fall (2006)

2010-10-30T22:10:00.001-03:00

The Fall (El sueño de Alexandria)

Dirección: Tarsem Singh

por Gad

¿Cómo permanecer en un hospital de 1920 sin facebook, twitter, tele, sexo o narcóticos y no enloquecer de angustia? The Fall da la solución. Empieza con un hombre tirándose al agua con su caballo desde un puente y termina con escenas de un montón de películas de Buster Keaton. En el medio, dos planos (el real, hospitalario, y el ficticio, que busca escapar al encierro), y al menos tres historias: la de Alexandria, pequeña magistrada en ruptura de huesos, consumo ilegal de hostias y consecución de morfina; la de Roy, excelente ejemplo de los tópicos amorosos más comunes y de por qué no hay que pedirle ciertas cosas a los chicos; y la que construyen juntos: la del Bandido enmascarado, su hija y sus amigos, una aventura de raigambre maravillosa con la dosis exacta de intriga, acción, romance, peleas, asesinatos horrorosos y crueldad innecesaria que el Jefe de "El hombre que ríe" de Salinger aprobaría sin dudar.

Spike Jonze y David Fincher la presentaron, Propp la recomendó, y Todorov se la bajó de Taringa. Para ver engripado, adolorido, agonizante, y reírse y sufrir un poco entre las aspirinetas y las pastillas efervescentes de vitamina C.

Dr. Strangelove (1964)

2010-10-29T23:50:00.000-03:00

Dr. Raroamor o: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba

Dirección: Stanley Kubrick

por Martín

Nuestros fluidos, tan poco valorados, tan importantes para el libre desarrollo de una nación democrática. Dr. Strangelove, quizás la mejor, y seguramente de las mejores películas de Kubrick, destapa a manera de documental, con una narrativa sencilla y recursos precisos, aquel complot comunista que por los 60 buscaba apropiarse de los fluidos vitales de los justos y magnánimos estadounidenses. Peter Sellers interpreta tres papeles que son opacados por la excelente performance de su mano nazi, la cual se roba todas las escenas donde aparece. Delirio, bombas, cobalto enriquecido y música acorde, para cabalgar el Apocalipsis con una sonrisa en la cara.
Aviso: si tiene suerte será seleccionado para fecundar a diez bellas mujeres en el nuevo paraíso. Y si es mujer, no sea boba, ya puede empezar a hacerse los implantes para devenir en un espécimen más deseable.

Mirar mientras se toma agua de lluvia destilada. Trancar bien la puerta, no sea que lo interrumpa algún hombre lobo o vampiro comunista.

Inglorious Basterds (2009)

2010-08-27T21:04:00.001-03:00

Bastardos sin gloria

Dirección: Quentin Tarantino

por Gad

De Hitler se dijo que tenía una mala asesoría estética, que quería demasiado a sus perros, que era gay, que el suicidio fue una farsa, que sufrió quemaduras de tercer grado tomando margaritas en Hawaii y hasta que habría que clonarlo para poder ajusticiarlo finalmente. Del régimen nazi en general, tantísimas cosas más. En Inglorious Basterds, Tarantino añade imágenes a la historia y se da el gusto de explorar una muerte alternativa y algunas características del régimen y su Führer llevándolas hasta el absurdo. Un grupo de héroes duros, una fémina sedienta de venganza, un tirano que es un villano ridículo de película y un villano de película que es ridículamente genial se unen a un coro de otros tantos caracteres pintorescos en la mezcla de violencia, romance, pantomimas y alguna que otra puesta en abismo de la película en la que son las películas las que matan al gran dictador y sus amigos. Como todo film de Tarantino, no faltan los disparos, la sangre y la ironía. Viene con explosión incluida. Consumir con salchichas alemanas con chucrut y una Coke bien fría.

Help! (1965)

2010-08-25T14:35:00.001-03:00

Help!

Dirección: Richard Lester

por Gad

¿Cómo se hace para incluir en una misma película a una banda famosa, una secta rara, un científico loco, una batalla campal, el Scotland Yard, Paul McCartney diminuto y desnudo y el Palacio de Buckingham –por sólo mencionar algunos ejemplos? En Help!, Richard Lester y los cinco de Liverpool se van de viaje para responder a la pregunta, cuando a Ringo le regalan un anillo horrible que resulta ser la pieza clave de un ritual sacrificial y por eso lo persiguen para matarlo. Con graves reflexiones sobre la incomprensión de los pares, las diferencias culturales, el papel de las instituciones y las conveniencias de tocar el piano en medio de la nieve, Help! se convierte en un testimonio sobre la dura vida de un músico, y en la demostración de que Harrison, en cuestión de vestimenta, fue el predecesor de Willy Wonka.

Para ver una tarde de miércoles luego de 6 horas de Literatura Alemana, con compañía ligera y sopa inglesa.

The Imaginarium of Doctor Parnassus (2009)

2010-08-23T21:01:00.001-03:00

El imaginario mundo del Doctor Parnassus

Director: Terry Gilliam

por Gad

Éxito raro entre literatos poco amargados, los críticos snob y la gente copada por igual, tras ver la última de Gilliam los comentarios de la audiencia fueron variados. Un entusiasta dijo acertadamente “¡es linda, con todas las letras!”, otro destacó la actuación de un Tom Waits diablesco, pulcro, viejo y poco ronco, alguien siguió preguntándose si Tony el dandy era Ledger, Deep, Law, Farrel (fue los cuatro) u Orlando Bloom, y no faltó quien se quejara de que Valentina (Lily Cole) insinuara mucho y mostrara poco (Bataille, chocho). A todo esto, la película no se hace la petulante y nos lleva sólo hasta más acá de la eterna aunque algo olvidada imaginación, pero con estilo: al igual que aquellos que en la película se animaban a imaginar, e inventar con ello un mundo propio, los espectadores tienen en The Imaginarium of Doctor Parnassus un papel activo en la creación del sentido de esta película en la que alegorías, insinuaciones, vastedad, multiplicidad, autorreflexión, juego y, para colmo, una estética cuidada y bella, quedan con sencillez y claridad a disposición de las lecturas de una audiencia que, si quiere simplemente permanecer en el nivel denotativo, no se enfrenta por eso a un bodoque fatuo, críptico e intragable. ¿No quedaste convencido? ¡Ey, esta película se enfrentó a la muerte del cowboy gay y sobrevivió al intento!

Para ver cualquier día de la semana, en wide screen, con dulces o sin acompañamiento.

Una lectura de "Synecdoche, New York"

2010-08-11T16:27:00.002-03:00

El (desmontaje del) "Yo" en la postmodernidad: una lectura de "Synecdoche, New York"

[Publicado en la revista Gato Blanco N°1 Agosto de 2010]

Que el "yo" no es algo fijo, ni único, ni cerrado, ni mucho menos identificable con alguna esencia recóndita que caracteriza al hombre, es una idea que tuvo circulación en el siglo XX, sobre todo en la segunda mitad, y que parece ser moneda de cambio corriente, al menos en algunos ámbitos, en estos primeros años del siglo XXI. No sólo está detrás de esta afirmación el psicoanálisis con sus grandes figuras (Freud, por aparición cronológica, a la cabeza[1]); contribuyen también Nietzsche, el existencialismo, Foucault y una larga lista de pensadores postmodernos. Synecdoche, New York, película dirigida por Charlie Kaufman, retoma este tema, que había sido previamente tratado en las películas Being John Malkovich y Adaptation, guionadas por el mismo escritor y director norteamericano, y lo lleva a sus posibles extremos a partir de un juego de dobles e indicios múltiples que convierten a la figura del protagonista, Caden Cotard, en un algo variable, impreciso y poco delimitado que fluctúa y se disemina en su intento de demarcarse, encontrar su identidad y alcanzar, literalmente, su "verdadero ser", ese imposible.

El camino de derrumbamiento del "yo", en Synecdoche, New York, se expone principalmente a partir de la experiencia teatral, que paradójicamente, es iniciada por el protagonista, Caden Cotard, como un medio de buscar su verdadero ser y exponer la vida con honestidad "brutal"[2]. Tras una existencia marcada por los miedos a la muerte y a la decepción, somatizados en desarreglos a nivel orgánico que comprometían especialmente las funciones vinculadas con lo sensible, y expresados además en el abandono consentido tras fracasos amorosos, Caden Cotard reduplica su vida con el fin de conocerse principalmente a partir de dos personajes: Sammy, que carece de apellido y muere antes de terminar la película, y Millicent Weems, que pasa de ser un personaje menor a desplazar a Cotard en sus funciones.
Sammy aparece en la película en una función activa y principal, como doppelgänger o doble de Caden Cotard, cuando este último ya lleva diecisiete años de trabajo en un proyecto sin nombre ni dirección específica. Durante las audiencias para encontrar a quien se ocupará de representarlo en la obra que pretende ser mímesis exacta de su vida, Cotard llega ante Sammy, que sin currículum ni foto, dice haber seguido al protagonista durante veinte años, y conocer de Caden incluso lo que él mismo desconoce. Esta es la primera vez que Caden se encuentra con Sammy, pero no es, dentro de la película, la primera vez que Sammy aparece. Ya anteriormente, el mismo personaje, con la misma edad (Sammy no envejece a lo largo de Synecdoche, New York, a diferencia de lo que ocurre con Caden, Hazel y Olive), se había presentado ante el espectador: en el momento pretérito en que Caden Cotard revisó el correo al principio de la película, y en el momento íntimo de su reconciliación con su segunda esposa, Claire.
Tal como prometió en el momento de su encuentro con Caden, Sammy demuestra tener un conocimiento exhaustivo de temas íntimos de Cotard, incluso de aquellos que no podría conocer ni aún con una observación obsesiva y precisa a lo largo de los años. Podría pensarse, a raíz de esto y de su extraña presencia en el momento de la reconciliación entre Caden y Claire, que esto se debe a que Sammy no es, en la película, más que un desdoblamiento realizado inconscientemente por Caden Cotard: es real, dentro de la realidad construida por el protagonista (lo mismo que son reales, dentro de esa realidad, la casa eternamente incendiada de Hazel, o la aparición de Caden en dibujos animados televisivos o en propagandas callejeras), pero existe sólo en tanto Caden necesita de su existencia. Su aparición es tan oportuna y útil como la del premio MacArthur: Sammy, aquel que, con su seguimiento y observación, da importancia y sentido a veinte años de la vida de Caden Cotard, es quien que le otorga la posibilidad de recuperar, aunque sea indirectamente, a Adele y a Olive, su primera familia, y es, además, el que logra canalizar los deseos de Caden de aproximarse a Hazel, quien fuera su amante. Sammy es, en definitiva, quien logra dar a Caden cierto sentido o direccionalidad, a partir de la construcción de un aspecto que en Cotard figuraba de manera potencial, no materializada.
El primer objetivo, la recuperación indirecta de su familia, se cumple cuando Sammy le facilita al director la información sobre el departamento de Adele, con la excusa de que quiere "investigar sobre el papel" y ver cómo Caden "se pierde aún más"[3]. Por otra parte, Caden logra de manera no consciente el segundo objetivo, el acercamiento a Hazel, porque su doppelgänger se transforma en la herramienta mediante la cual termina de distanciarse de su segunda esposa, Claire, que durante la película se presenta como un remedo insuficiente ante el abandono, una copia de lo perdido[4], y porque, además, Sammy conquista a Hazel (subvirtiendo las jerarquías existentes entre el ámbito "real" y el "ficcional"), impulsa a Caden a canalizar sus deseos mediante una primera aproximación a Hazel en el ámbito de la ficción (Caden interactúa con Tammy, quien actúa de Hazel en la obra teatral), y al fin, es el motivo por el cual Caden y Hazel finalmente dialogan y resuelven sus conflictos amorosos. Cuando esto pasa, Sammy desaparece de la obra teatral: se suicida, y este suicidio, que contradice la realidad que Caden Cotard pretende representar en su obra mimética, también resulta, de alguna manera, oportuno: Sammy, personaje presuntamente ficcional, ya no tenía algo que ofrecer a Caden, sino que se había construido independientemente, como una ficción que cobra peso, deja de ser copia, y se materializa, finalmente libre de su sujeción al modelo, y cuestionando la legitimidad de ese modelo que le dio origen, la supuesta subordinación y dependencia del mismo.
Millicent Weels es la otra figura que reduplica a Caden Cotard que tiene importancia dentro de Synecdoche, New York. A diferencia de Sammy, su rol comienza siendo menor, pero termina siendo acaso de mayor importancia que el de Cotard, al punto de desplazarlo de sus funciones y crear, con sus interpretaciones, una visión de la vida completamente distinta. Asimismo, a diferencia de Sammy, Millicent no es una cristalización de los deseos latentes y no manifiestos de Caden, sino una exploración de posibilidades no investigadas y la desarticulación de la unidad personal.
Millicent aparece, en el marco de la obra llevada a cabo por Caden, como la figura que se va a ocupar de representar a Ellen, la señora que tenía la función de cuidar el departamento de Adele en Nueva York. Es decir, aparece para representar a Cotard, dado que Ellen no es, dentro de la película, más que un nombre y una cara pintada en un cuadro de Adele; y es Caden quien se ocupa de limpiar el departamento de Adele, cuando recibe la información de su ubicación gracias a Sammy. Millicent es elegida por ser igual a Ellen, y permanece relativamente apartada de la acción hasta el momento en que mueren Sammy y, posteriormente, Hazel, y Caden considera haber descubierto la dirección final para su obra de teatro. Ante la ausencia de alguien que interprete a Caden en la obra, Millicent asume el papel, tras exponer su peculiar manera de interpretar la vida del director. Pero su accionar no es mera mímesis; al igual que Sammy, Millicent/Caden no fija un "ser" de Cotard, sino que lo desperdiga; Millicent/Caden re-presenta y re-crea los hechos, modificándolos en el proceso: re-interpreta a Cotard y transforma su mundo, explorando nuevas direcciones y posibilidades, que incluso son consideradas, por algunos, más "verdaderas" o "relevantes" que la vida que Caden pretendía presentar en su obra. Así, cuando el protagonista se descubre incapaz de dar un desarrollo y un cierre a la obra, que insiste en diseminarse, y dice no tener más ideas, Millicent toma su papel como directora de la obra, y asume el dominio del mundo ficcional que ha crecido hasta alcanzar el tamaño de la ciudad a la que copiaba.[5] Caden, en cambio, queda relegado al papel de Ellen, y se convierte en un personaje menor dentro de la obra que protagonizaba. Pero al final, distinguir entre Millicent, Ellen y Caden ya se vuelve imposible: los datos proporcionados por Olive mientras agonizaba, datos presuntamente ficcionales que hablaban de una relación homosexual de su padre con un hombre, Eric, son datos que coinciden con la vida que está llevando Millicent en su rol de directora; Millicent, a su vez, tiene los mismos rasgos que Ellen; Ellen, que sólo existe positivamente dentro de la obra teatral, es Caden haciendo de Ellen; y Caden fue Ellen, con su afán de limpieza, gran parte de su vida. Millicent, Ellen, Caden se desdibujan y conforman un uno múltiple y mutable; el que creía ser simplemente "Caden Cotard" se hace amplio, recluido en la reconstrucción del departamento de Adele que es el departamento de Adele, y descubre, mientras camina sobre las ruinas de su ciudad (la ciudad que se levantó en revuelta), a través de las palabras de su doppelgänger (que es y no es él mismo), la imposibilidad de "el verdadero ser" que había estado buscando:

Lo que antes era un apasionante, misterioso futuro, ahora está detrás de ti. Vivido, entendido, decepcionante. Te das cuenta de que no sos especial. Entraste forcejeando en la existencia, y ahora estás saliendo silenciosamente de la misma. Esta es la experiencia de todos. Cada uno. Lo específico difícilmente importa. Así que sos Adele, Hazel, Claire, Olive. Sos Ellen. Toda su precaria existencia es tuya, su soledad, su cabello pajoso y gris, sus manos ásperas y rojas. Son tuyas. Es tiempo de que lo entiendas. Caminá. Mientras las personas que te adoraban dejan de adorarte; mientras mueren, mientras siguen adelante; mientras perdés tu belleza, tu juventud, mientras el mundo te olvida, mientras comprendés tu fugacidad, mientras comenzás a perder tus características una por una; mientras comprendés que no hay nadie mirando y nunca hubo, sólo pensás en conducir – no viniendo de ningún lugar, no llegando a ningún lugar.[6]

Al final de la película, de su obra, de su vida, el protagonista, guiado por la voz de Millicent, ya incorpórea, sólo una voz en su oído que tiene trazas de autoconciencia, asiste al desmoronamiento del que fue su mundo, del que creyó su ser. Y es sólo entonces, ya deconstruido, cuando reemprende una vez más el intento de dar nombre a su creación, de intentar definir, cristalizar, brindar sentido. Pero muere. Y al contrario de lo que sostuvo en algún momento de la película, la obra, al final, no lo sobrevive: dispersos sus actores, dispersos sus seres presuntamente ficcionales tras la rebelión independizante que, suponemos, ocurrió en el teatro/ciudad, sin título y abierta en su enfoque (como su autor, el que al final perdió su autoridad y su nombre), con el que fuera Caden Cotard, la obra y el mundo desaparecen después del "muere" de la voz en el oído, se esfuman en la pantalla en blanco y clausuran el mundo de posibilidades experimentables a las 7:45[7], cuando se detiene, fijo para siempre, el reloj en la pared.

por Gad, 2009-2010

Notas:
[1] Podría cuestionarse, sin embargo, en qué medida Freud no demuele la creencia en un "yo" racional rígido para caer en una visión estructuralmente rígida del inconsciente.
[2] De hecho, la obra será, durante la película, la manera en la cual Caden Cotard intentará entender y dar sentido a su vida, y al final de la película, con el desdibujamiento de los límites entre la realidad y la ficción, pasará, literalmente, a ser su vida.
[3] Caden, efectivamente, se perderá aún más, pero las consecuencias de sus visitas al departamento de Adele, y de su contacto con Olive, adquirirán pertinencia especialmente con la performance de Millicent Weels como doppelgänger.
[4] La familia que Caden construye con Claire es una duplicación de la que tenía con Adele (siendo Ariel, "la otra hija" producto de este segundo matrimonio, una copia casi idéntica de Olive). Asimismo, Claire pasa a formar parte de la vida sentimental de Caden como reemplazo de Hazel, ante la imposibilidad de poseerla.
[5] Intertextualidad, u homenaje, más que evidente con y a "El rigor de la ciencia", de Borges.
[6] Kaufman, Charlie, Synecdoche New York. Las cursivas son mías.
[7] La misma hora en que comienza la película.

Aguirre, la ira de Dios (1972)

2010-05-07T23:00:00.001-03:00

Aguirre, la ira de Dios (Aguirre, der Zorn Gottes)
Dirección: Werner Herzog
por Gad

En la década del 60, las ilusiones se elevan en acciones épicas que se enfrentan a los grupos armados, la incomunicación y las distancias en pos de un ideal. Las personas, guiadas por una ambición invaluable, se internan en brumas salvajes y desconocidas, afrontan el escepticismo y la traición; instauran leyes, nombran emperadores, matan disidentes y construyen balsas; incautan bienes ajenos, dudan, no ven oro por ningún lado y mueren en el intento. Estoy hablando del siglo XVI, de la conquista del Perú y, específicamente, de la búsqueda de El Dorado, por supuesto. Con la actuación genial de Klaus Kinski y su interesante estructura ósea como protagonista, en Aguirre, la ira de Dios Herzog nos presenta la historia de la locura del oro como la canalización del deseo de poder y trascendencia; de la creación de mitos legitimadores del intento y los sacrificios cometidos en función de los mismos (¿qué otra cosa es Cortés desde el discurso del ingenuo Aguirre, sino una figura hiperbólica, épica, mitológica?); de la invención del territorio a explorar, América utópica, abundante y violenta, sojuzgada, y de pronto fundamentalmente otra para ambos bandos; de la civilización y ley, otra creación en la aventura de la conquista y otro terror, también; de la barbarie, de la religión; de la persecución de lo imposible, del agotamiento más allá de cualquier límite de lo volitivo, y la muerte.

Por si todo eso te emboló o pareció poco, baste con señalar que, como en El enigma de Kaspar Hauser, como placer estético Aguirre ya logra su cometido. Así que mirala un viernes a la tarde, y si te interesa, acompañala con La conquista de América de Todorov.

Sunset Boulevard (1950)

2010-04-25T00:01:00.001-03:00

Sunset Boulevard
Dirección: Billy Wilder
por Gad

BETTY. I think you should throw out all that psychological stuff –exploring a killer's sick mind.
GILLIS. Psychopaths sell like hotcakes.

(BETTY. Creo que debería quitar toda la psicología – eso de explorar la mente del asesino.
GILLIS. Las historias de psicópatas venden.)

Sunset Boulevard, por supuesto, termina siendo la película de una psicópata. Pero… ¿cómo comentar todas sus genialidades en menos de trescientas palabras?
Argumentalmente, El ocaso de una estrella es lo que su nombre indica: la historia de una vieja star, de un vividor a regañadientes, de los alcances del patético amor de un ex marido y, sobre todo, de la frustración, la necesidad, y la traición; el olvido, la locura y el crimen -es decir, de la industria hollywoodense. Su presentación formal (que no se puede separar) es la vuelta de tuerca: esta película es un cruce original, genial, entre el cine mudo y el locuaz, que da lugar a una tercera forma que reflexiona sobre ambos y explota sus mejores aspectos, sobre todo a partir de las actuaciones y las gesticulaciones de Gloria Swanson y Erich Von Stroheim, dos estrellas del cine ya no comercializable (en la “realidad” y en la “ficción”; la información sobre estos personajes corresponde en gran medida con las vidas de los actores) que hacen de la película una joyita.
En blanco y negro, con muertos flotando en la piscina, buenas tomas, comentarios de carácter autorreflexivo, persecuciones en autos viejos a menos de 100 kilómetros por hora km/h e ironía por demás, ésta es una película para repetir. Y (otro recurso de la película, la hipérbole) si a eso se le suma helado en copa con salsa de chocolate, es mejor que el paraíso con huríes.

Kiss Kiss Bang Bang (2005)

2010-04-11T12:37:00.005-03:00

Kiss Kiss Bang Bang
Dirección: Shane Black
por Gad

Harry Lockart (Robert Downey Jr.), nuestro narrador, nos deleita en esta película con sus reflexiones sobre su ocupación y las técnicas fílmicas mientras nos cuenta una historia hilarante y descabellada sobre su acceso a Hollywood, su vinculación con un crimen hiperbólico, lleno de coincidencias, casi inverosímil pero, por supuesto, muy muy lógico, su reencuentro con el deseo juvenil y, finalmente, cómo te podés convertir en un investigador privado de novelitas pulp (y enfrentar hasta la tortura, como en éstas, sin rasguño) cuando la piba que te gusta cree que sos medio detective, medio superhéroe, y te pide ayuda.
Kiss Kiss Bang Bang es buen cruce entre la comedia y el cine negro, con diálogos agudos, buenas interpretaciones, una gran dosis de humor paródico, y el mejor uso del tema “I will survive” que se vio hasta ahora en el cine. Genial la actuación de Val Kilmer, en el papel de duro detective homosexual.
Para ver un sábado a la madrugada sin demasiadas esperanzas, y repetir entusiasmado un domingo a la tarde con una bebida fresca, como limonada en vaso de trago largo con hielo picado y apenas un toque de vodka.

Midnight Cowboy (1969)

2010-02-03T02:25:00.002-03:00

Midnight Cowboy

Dirección: John Richard Schlesinger

por Gad

Primero fueron las películas de vaqueros adorando a sus pistolas; actualmente, las emotivas películas de vaqueros adorándose las pistolas. En el medio, Jon Voight, a quien quizás recuerde de filmes como Zoolander y Tropic Thunder, o como padre de Angelina Jolie, define y redefine las expresiones "vaquero", "semental", "I want to be a part of it, New York, New York", "gigolo" y "gay" al encarnar la vida de Joe Buck, el rubio y cachetón no-cowboy que infructuosamente trata de abrirse paso en la City de los hombres homosexuales y las mujeres viejas. Mientras tanto, Dustin Hoffman se nos va más alto en cada estornudo en el papel de Ratso Rizzo, un hombre del subsuelo a la americana, rata de ciudad y el primero que timar al ingenuo de Joe.

Suciedad, sudor y sordidez en esta breve mirada a la amistad de dos hombres antitéticos unidos por la marginalidad y la degradación dentro del sistema capitalista. No es un western ni son héroes (todo lo contrario). Tiene buenas tomas. Y no se va a aburrir mirándolos actuar.

Para consumir con una sopa enlatada o vegetales congelados en invierno, y un vaso de aluminio con agua de canilla.

The Game (1997)

2009-12-16T02:00:00.001-03:00

The Game
Dirección: David Fincher
por Gad

Como Un cuento de Navidad de Dickens pero en versión contemporánea, y por ende, con muchos tiros, muchas persecuciones, una mujer en paños menores, y sin niños hambrientos. Fincher presenta el tipo "exitoso empresario que dejó de lado su vida afectiva en función de la laboral" (Michael Douglas), y lo enfrenta a un "juego" que lo envuelve hasta llegar a un punto en que realidad y ficción se desdibujan permanentemente, y en que sus mayores temores se hacen realidad (es la quiebra). Luego, el final concluye con la restauración de lo instituido inicialmente y la apoteosis de la crítica moralista y la metanoia (cambio), pero de todos modos esto es sutil, y el conjunto, muy divertido.

The Game, film en el que podría leerse una pregunta por la manipulación, fue muy mal acogido por los paranoicos narcisistas, que afirmaron que no esperaban enfrentarse a semejante película de terror. De modo que si le causa ¡pánico! ser hiper-controlado, le recomiendo no mirarla. Caso contrario, dos posibilidades: si usted es de los que se compenetran con el personaje, no podrá dejar de repetir "pero qué hijos de p..." cada dos por tres, y terminará su catarsis en final feliz. Si no es de esos, de todas maneras podrá disfrutar la película, que está bien armada.

Se recomienda ver con compañía después de un partido de TEG o Monopolio. Guardar el brindis con champagne para los últimos 20 minutos de la película.

2001: A Space Odyssey (1968)

2009-11-30T12:45:00.006-03:00

2001: a space odyssey
Dirección: Stanley Kubrick
por Martín

Así habló Stanley Kubrick; esta película comienza con simios, sigue con naves espaciales y termina con escenas caleidoscópicas y flasheras a lo clip de alguna banda llamada "acid".
Música erudita acompaña una narración densa, quisquillosas precisiones científicas ofrecen goce de los sci-fi nerds, un monolito negro brillante despierta el máximo de la curiosidad potencial que puede causar un pedazo de metal opaco de dos metros.
El que no la vio ya la conoce por las infinitas parodias, reformulaciones, imitaciones o capítulos de los Simpsons. Sí, es esa de la lucecita roja que es una computadora que se vuelve loca y mata gente. Esta película es la razón por la que los electrodomésticos no tienen voz incorporada.
No se recomienda leer las críticas que cierran el sentido; las escenas finales (producto de las conocidas incursiones de Kubrick en el lsd) deberían permanecer abiertas y generar discusiones candorosas.
Para mirar un domingo de noche sorbiendo papilla de una bandeja.

Vertigo (1958)

2009-11-24T21:14:00.001-03:00

Vertigo
Dirección: Alfred Hitchcock
por Gad

Una película tan, tan genial, que hace que el título encarne en la misma estructura de la narración. Espiralada como pocas, Vertigo es más que la historia de un detective miedoso, un matrimonio en crisis y la obsesión por un fantasma: es la exploración del fall in love (literalmente, "caer en amor") de un tipo con miedo a las alturas; una caída en espiral que siempre que parece haber llegado a su centro, al final de la línea, da una vuelta y se amplía, repitiendo un círculo idéntico, no cerrado, y conduciendo a los protagonistas a un juego vertiginoso que, aunque finalmente acaba, deja al espectador en suspenso, con la impresión de que la desaparición de la acrofobia, finalmente acabada la caída física, no es más que el inicio de la historia.

Por si eso fuera poco, Hitchcock se anima a mezclar secuencias animadas y escenas de colores, la película tiene tomas geniales, y Kim Novak actúa muy bien.

Para ver dos veces, con uno o dos chupetines Pico Dulce.

Apocalypse Now (1979)

2009-11-15T02:46:00.009-03:00

Apocalypse Now
Dirección: Francis Ford Coppola
por Martín

Aviso: voy a ser muy parcial.

Excelente.
La reseña podría terminar ahí, pero como está esa mala costumbre de tener que escribir más de un renglón, agrego:

La guerra de Vietnam como fue o podría haber sido si estuviera narrada por un hippie pesimista (si los hay), con milicos que hacen surf y escenas clásicas como el ataque aéreo con la cortina del "pam parampam pam pamparam pam pam" (intento muy fallido de transcripción de la cabalgata de las valkirias de Wagner). Además, un tema de los Doors y otro de Hendrix: hasta los ciegos la disfrutan.
La versión redux en dvd dura 3 horas y media; sí, vale la pena; no no, no te vas a aburrir, bueno capaz que sí, pero igual callate la boca y mirala con una siesta o un partido de ping pong de por medio, y haceme un sanguche.
Datos aleatorios:
*Parece Charlee Sheen pero es Martin, el padre (algunos ya lo sabrán, si la ven con gente que diga lo contrario hagan apuestas y ganen)
*Una de las traducciones al castellano dicta "Apocalypsis now" (creo que le pagaron la mitad del sueldo al traductor)
*Marlon Brando está gordo, pelado y muy similar a una papa.
*Tanto en el trailer como en la portada del dvd figura Harrison Ford junto a Brando, Duval y Sheen. En el filme aparece 10 minutos y dice dos diálogos (y sin embargo no figuran los coprotagónicos, JA, no sos tan disidente Coppola).
*Sofía Coppola es malísima, y Perdidos en Tokio también.

Para ver sin comida, encerrado y solo junto a uno botella de querosene encendido.

Reservoir Dogs (1992)

2009-11-13T21:16:00.002-03:00

Reservoir Dogs (Perros de la calle)
Dirección: Quentin Tarantino
por Carlos y Gad

La película que hay que reseñar cuando se está dormido y ebrio. Seis señores de colores, un soundtrack de novela, Steve Buscemi y un infiltrado en búsqueda de una valija con diamantes. Dinero, tiros, amistades fraternas, olor a quemado y traición en la película que casi catapultó a Tarantino a la fama. Los fanáticos de Madonna la adoraron. Los ladrones profesionales no supieron si sentirse insultados. Los críticos dijeron que era un collage. Lo cierto es que Mike Tyson la ama, y con razón.

Para ver antes de Old Boy, un sábado a la noche, con café, cigarrillos y compañía ruidosa.

Noi el albino (2003)

2009-11-10T00:46:00.000-03:00

Noi el albino (Nói Albínói)

Dirección: Dagur Kári
por Gad

Música leve y coloración bizarra y fría en una película de narración sutil que, sin grandes aspavientos, se da el lujo de explorar desde un humor de breves toques negros o desde lo silencioso de las tragedias abruptas, cómo uno se arrepiente de todas maneras, haga las cosas de una u otra forma, y cómo de todas modos no se puede evitar seguir haciendo. Con Nói, el rebelde con problemas de disciplina al que se le ocurre vivir en un pueblucho frío al costado del mundo; Oscar, el librero que tira a Kierkegaard a la basura por considerarlo contradictorio e idiota; Kiddi, el Charly García islandés; Íris, la chica de la estación de servicio con la que se puede soñar sobre Hawaii; Gylfi, el tipo que se niega a pronosticar el combo "dinero-viaje-amor" cuando lee la fortuna, y un piano destrozado por negarse a hacer buena música.

Para ver una noche silenciosa de luces tenues, con compañía, y descubrir que, al final, Kierkegaard aparentemente tenía razón. Recomendada para los fanáticos de las creaciones bellas en lugares exóticos, y sobre todo, para aquellos que buscan instrucciones para aprender a fumar.

Phantom of the Paradise (1974)

2009-11-05T20:18:00.002-03:00

Phantom of the Paradise

Dirección: Brian De Palma

por Gad

Tome un molde del fantasma de la Ópera, enharine en Dorian Gray, agregue tres cucharadas de Fausto, una pizca de Frakenstein, 1/4 de yerbas varias y meta al horno. Deje enfriar, cubra con crema y agregue la escena más famosa de Hichcock más una sopapa como frutilla del postre. ¿Una mezcla intolerable? Nada que ver.

Phantom of the Paradise es una versión posmoderna de la criatura de Mary Shelley: un ser tortuoso hecho de remiendos nacido en la época de los monstruos, que finalmente perdió respeto a los padres, salió del congelador, se fue de fiesta, y se desgañitó cantando en una escalera junto a minas hermosas de timbre agudo. Una genialidad de hora y media donde Winslow Leach, que es lento para ganar, lo pierde todo y desciende a los submundos de los submundos: fraudes, prisiones, torturas, fantasmas, pactos con el diablo, castigos divinos y sátiras sobre el negocio del entretenimiento y el deseo sádico de la audiencia en una película donde el cisne sí canta antes de morir, y el fenix, a pesar de todo, renace permanentemente.

Para ver con cerveza y maní varias veces en la vida, y poner el soundtrack cada tanto.

Phantom of the Paradise

Dirección: Brian De Palma

por Martín

Goethe se revuelca en su tumba al son de Paul Williams. Esta producción, para algunos malísima, para otros no tan mala pero tampoco buena, aparece en la época de auge de ese infame y difunto género de la "opera rock". Brian de Palma nos sorprende con una fusión inverosímil de literatura clásica, trajes con luces parmadeantes y música extravagante. IMBD la calífica como: Musical, Horror, Thriller, Comedy y Fantasy. Es decir, es una antipelícula, una burla del director pero que de tan absurda y mal hecha (por gusto mal hecha) produce caras extasiadas de "no puedo creer que este mirando esta idiotez" y "esto es bizarro y genial, quiero más". Mirarla drogado es otro tema.

Acompañar con cerveza y buñuelos rellenos de páginas del Fausto fritas.

La culpa es de Fidel (2006)

2009-11-02T22:12:00.012-03:00

La culpa es de Fidel (La faute à Fidel!)

Dirección: Julie Gavras

por Martín

Mamá, papá, ¿qué es el comunismo?

Todos alguna vez hicimos esta pregunta y nuestros padres nos dieron un martillo y una hoz y nos incitaron a derribar las instituciones burguesas. A otros, nos metieron en el colegio militar de una buena patada en las pompis.

La culpa es de Fidel puede ser definida como un "manual de comunismo para principiantes", sorpresivamente ambiguo y excelentemente actuado. Aquellos que busquen una tesis que mejor vayan a leer El capital; esta película es para risas, cuestionamientos y mucha ternura: Anna se gana el corazón de obreros y estudiantes, de amas de casa desesperadas y multimillonarios. La plusvalía viene por el lado del soundtrack: dan ganas de comprarlo original y todo.

Para ver tomando una coke mientras se cuentan los tickets de alimentación estatales que quedan hasta fin de mes.

La culpa es de Fidel (La faute à Fidel!)

Dirección: Julie Gravas
por Gad

¿Papá Noel, barbudo y rojo, es comunista? ¿Mickey Mouse y Blanca Nieves son símbolos fascistas? ¿Cuál es la diferencia entre ser oveja y el espíritu de grupo?
Comunismo, fascismo, capitalismo, idealismos, prejuicios, religión y mitologías varias rondan la rueda ronda en un menjunje de aquellos, en la mente de Anna, la pequeña "momia" reaccionaria rodeada de barbudos que buscan la guerra nuclear, en una película sin bajadas de línea marcadas pero comprometida y crítica, dinámica y graciosa.
Para ver cualquier día, en cualquier situación y con cualquier compañía. Absolutamente recomendada.

La isla (2000)

2009-10-31T15:07:00.003-03:00

La isla (Seom)
Dirección: Kim Ki-duk
por Gad

Amores tortuosos, sangre y artesanías en otra silenciosa producción del cineasta coreano que, dicen, está de moda. Kim Ki-duk nos presenta un escenario similar al que luego encontramos en Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera, masacra peces y pajaritos, se anima a tomas osadas, nos empapa, y demuestra, en el camino, que pintar casas de amarillo con pinceles es sexy. Interesante reelaboración del concepto de pesca como autoflagelación, no apta para todas las sensibilidades.

Para ver si ya conoce otras producciones (mejores) del director. Dejar para un mediodía de martes y resfriado. Acompañar con cerveza y trucha frita.

Siete orquídeas manchadas de rojo (1971)

2009-10-30T20:57:00.003-03:00

Siete orquídeas manchadas de rojo (Sette Orchidee Macchiate Di Rosso)
Dirección: Umberto Lenzi
por Gad

El thriller para tardes lluviosas y aburridas: gracioso, esquemático y predecible. Si nunca adivinaste quién era el asesino, si no soportás las películas de suspenso, y si te gustan las italianas en los 70's, especialmente muertas, esta película es para vos: se adivina fácil, el misterio es inexistente, y hay escenas que podrían competir con Scary Movie. Para ver con una copa helada bañada en salsa de frutos rojos. Risas semi-aseguradas.

Adaptation. (2002)

2009-10-28T15:11:00.001-03:00

Adaptation. (El ladrón de orquídeas)

Dirección: Spike Jonze

por Martín

Esta delicia para los fanáticos de la botánica fue elegida "mejor película que en su nombre incluya flores" por la revista de "Amas de casa, garages y jardinería". En segundo plano se encuentra Kaufman, quien logra (a pesar de Nicolas Cage) un film rico en su drama (in)humano, con momentos patetistas que nos hacen sentir mejor en contraste con el protagonista. También está el mise en abyme, ya un sello en Kaufman, quien según las declaraciones del encargado del catering del set, en esta producción aprovecha para hacer homenaje a sus raíces nativo-americanas narcotraficantes.

Se recomienda digerir junto a una ensaladita y un refresco levemente gasificado.

Adaptation.
Dirección: Spike Jonze
por Gad

... Y con las obras completas de Freud. Un rollo muy introspectivo de pavor e impotencia (¿no es lo mismo?) en la cara del hombre que arruinó Wild at Heart, que se juega y no sólo patetiza bien al Kaufman que acaba de terminar Being John Malkovich, sino también a su tonto-pero-exitoso hermano gemelo. Una hora lenta de pensar recalcitrante, y una rápida de acción, en la película que inmortaliza "So happy together" en una de las escenas fraternas más conmovedoras de esta década. Ideal para los fanáticos de National Geographic.

Scanners (1981)

2009-10-27T23:24:00.001-03:00

Scanners
Dirección: David Cronenberg
por Gad

Nuestro héroe, Cameron Vale, es un scanner (telépata) que pelea contra el scanner malo en un universo donde la Resistance de Buenos Telépatas Unidos planea vencer al enemigo realizando "orgías telepáticas" en grupo, y la telepatía es tan poderosa que hace saltar ojos y estallar computadoras. Con diálogos que recuerdan a Star Wars, momentos interesantes recién después de 1:34 hs, duelos con sangre bien falsa, colonizaciones predecibles y mujeres inútiles que son sólo una cara bonita, Scanners es la peor película de terror que se puede elegir. ¿Conclusión? Como plan de sábado a la noche, sin demasiadas pretensiones, marcha. Ver con amigos y comida chatarra. Las carcajadas están garantizadas.

Blade Runner (1982)

2009-10-27T23:03:00.002-03:00

Blade Runner

Dirección: Ridley Scott

por Martín

Las licuadoras decidieron organizar una revolución socialista y dominar el mundo conocido. El cliché del hombre contra el hombre: esta vez las licuadoras son reploids y una versión más oscura de Han Solo es el único capaz de combatirlas. Harrison Ford es el típico detective retirado que no quiere salvar a nadie, y no quiere pero al final quiere. Y su compañera, Rachel, una muñeca inflable del siglo 21 (que para los 80 iba a tener autos voladores y esas cosas que siempre nos prometen los políticos).

Dato curioso: parece que los chinos tomaron USA. Otro dato curioso: la película no tiene nada que ver con androides ni ciencia ficción, se parece más a Odas Elementales de Neruda.

Para acompañar con tuercas y tornillos, no olvidar la revisión de aceite diaria.

Gad destaca: el parlamento final de Roy Batty, el superhombre con fecha de vencimiento.

Los siete samuráis (1954)

2009-10-27T17:27:00.001-03:00

Los siete samuráis (Shichinin no samurai)

Dirección: Akira Kurosawa

por Gad

Siete samurai y los cuarenta ladrones. Una superproducción de tres horas y media que lo tiene todo: un Japón feudal, bandidos amenazando a los campesinos, campesinos buscando protección de samuráis, y siete filántropos hambrientos con katanas. Acción, humor, romance y conflictos de castas en una película donde tres rifles son multitud y se puede luchar con el culo al aire. Con intermedio, una muerte a lo Juan Moreira, y festichola agridulce al final. Para verla con una fuente de arroz, cuchara, sake, y sentirse privilegiado.

Persona (1966)

2009-10-27T01:36:00.002-03:00

Persona

Director: Ingmar Bergman

por Gad

Como Lynch antes de Lynch, con Brecht de por medio, recursos formales interesantes, personalidades dobles o personas contrapuestas que se hacen una, y bocaditos sobre el ser, el parecer y la posibilidad de ambos, etcétera etcétera, más allá de todo eso y de las opiniones favorables de los críticos, Persona es, básicamente, la bella historia de un par de ~~locas~~ minas que están solas, tienen mucho contacto, (se) desean y comunican intimidades, persiguen verdades y descubren artificios (o viceversa), y se desgranan en una rabia vampírica sensualmente violenta, entre imágenes visuales y táctiles lindísimas.
¿Un embole? Me dijeron que había que ver Persona una vez en la vida, por "canónica", y archivarla hasta la próxima reencarnación. Pero no, mejor ser masoquista y verla al menos tres veces: un miércoles a la noche, por curiosidad; un sábado de tormenta y con las luces apagadas, para aprovechar que asusta más que Scanners; y un día cualquiera a cualquier hora, porque sí, porque está buena.
Acompañar por un aperitivo ligero, o por éter. Y mirarla.

Gato negro, gato blanco - Crna mačka, beli mačor (1998)

2009-10-26T21:14:00.001-03:00

Gato negro, gato blanco
Dirección: Emir Kusturica
por Martín

¿Que pasaría si un grupo de gitanos adictos a la cocaína y fanáticos de los 80 hiciera una película?

La respuesta es Gato negro, gato blanco, una película sobre un grupo de gitanos adictos a la cocaína y amantes del Rock.

Como Romeo y Julieta pero en Serbia/Yugoslavia, con más patos, cerdos, bandas colgadas de los árboles y escenas escatológicas que seguro harían reír a Freud (que dicen que era muy serio).

Kusturica nos invita a una montaña rusa con rieles rotos, nos hace reír, llorar, ir al baño y tomar el primer avión a los Balcanes para morir de sobredosis.

Se recomienda preparar un banquete dionisíaco, con grandes cantidades de alcohol. Si es posible, llevar armas cargadas y tirar tiros al aire (de tarde para no despertar a los vecinos).

Mystery Train (1989)

2009-10-26T21:11:00.002-03:00

Mystery Train
Dirección: Jim Jarmusch
por Gad

Tres historias en una Memphis que grita "Hopper" en cada escena, protagonizadas por una pareja de japoneses, una italiana gritona, un inglés criminal, la novia parlera, el cuñado disparado, el amigo negro racista, un conserje rojo, el botones de un hotel, y Elvis Presley. Jarmusch a todo color y rock and roll. Para martes cálidos a la noche con medallones de pollo descongelados, ketchup y savora.

Synecdoche, New York (2008)

2009-10-26T21:09:00.002-03:00

Synecdoche, New York
Dirección: Charlie Kaufman
por Gad

Una película posmo que tiene todo lo que usted podía buscar. ¿Protagonistas no heroicos? ¿Dramas como los de la vida real? ¿Casas incendiadas? ¿Robo de novias? ¿Peleas callejeras? ¿Drogas, sexo, música y alcohol? ¡Vea Synecdoche, New York! Recomendada para toda la familia, con pochoclo y coca-cola.

Advertencia: Los cambios abruptos de ánimo en el transcurso de la película pueden ser síntoma de intolerancia a la misma. Se reportaron casos de epilepsia súbita y urticaria. Toda reacción de hipersensibilidad exige la inmediata suspensión de la proyección. La exposición prolongada a Synecdoche, New Yok puede favorecer el desarrollo de trastornos de personalidad, hipotimia y cese de funciones corporales. No recomendado para lactantes o embarazadas.

The Wrestler (2008)

2009-10-26T21:07:00.002-03:00

The Wrestler

Dirección: Darren Aronofsky

por Martín

Para los amantes de la sangre y el baile del caño, no, no es Tinelli, es The Wrestler, una combinación de amor con el siempre valuado homoerotismo de la lucha libre americana. Rourke se viste de lycra y encarna una travesía que no llegará a lo más hondo de nuestro ser, ni nos revelará los secretos más profundos del alma humana, pero logrará escenas conmovedoras como cuando se miran cachorritos abandonados en una caja.

"Había una época donde la gente quería divertirse, hasta que vino ese depresivo de Kurt Cobain y lo arruinó todo."

Marisa tomey sentencia una frase que parece resumir el espiritu de los 80 y demuestra que las cuarentonas también calientan. Para ellas esta Rourke, sensual como un ladrillo al sol.

Para ver cualquier día a cualquier hora con algo liviano para picar.

The Wrestler

Dirección: Darren Aronofsky

por Gad

(Después de la reseña anterior, ¿qué decir?)

The Wresler, la última de Darren Aronofsky, un drama heroico-patetista lleno de histeriqueos. Los críticos la aclamaron. Los chicos compraron las figuras de acción. Los operados del corazón se emocionaron. Las bailarinas no, pero algunas se sintieron identificadas. Hora y media para pochoclo y medialunas. Alquílela en blockbuster, para rememorar los viejos tiempos sin dvd, y veala los domingos a la noche después de la cena. Conmuévase, siéntase bien, llore si tiene ganas. Y no olvide devolverla el lunes.

Nota curiosa: ¿Sabía que Nicolas Cage iba a interpretar el papel de Mickey Rourke? Imagínelo nomás.

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Che, hace poco (enero 2010) la vi de vuelta y, me gustó muchísimo más. Sostengo que es una película que hay que experimentar en versión VHS, pero si quiere quédesela una semana más y póngala bien cansado un jueves a la noche con compañía y roaf beef.

Requiem for a Dream (2000)

2009-10-26T21:02:00.001-03:00

Requiem for a Dream

Dirección: Darren Aronofsky

por Gad y Martín

Un éxito a la hora de bajonear a la gente, se aclamó especialmente en Requiem for a Dream que la banda sonora no incluyera canciones de Radiohead, lo cual la habría convertido en el Werther contemporáneo. La ola de suicidios producto del film de Aronofsky fue, de esta manera, mucho menor a lo posible. Con un excelente manejo de cámara, y tomas inolvidables, esta película muestra efectivamente que las drogas son malas mediante un paralelismo con las estaciones de la vida en cuatro adictos.

Escenas no aptas para amas de casa con helechos. Se recomienda ver viernes o sábados con amigos. Evitar terminantemente domingos y lunes.

Pi — Faith in Chaos (1998)

2009-10-26T21:00:00.002-03:00

Pi — Faith in Chaos

Dirección: Darren Aronofsky

por Gad

Como A Beautiful Mind, pero sin soviéticos, y con antagónicos agentes de Wall Street y judíos jasídicos de barba larga. 84 minutos en blanco y negro de una aventura paranoico-místico-matemática con máquinas, destornilladores, locuras condensadas y normalizado final feliz. No del tipo de películas elegibles para ver mientras se corta las uñas de los pies.

Pi — Faith in Chaos
Dirección: Darren Aronofsky
por Martín

¿Qué se puede hacer con 20 mil dolares? Comprar un auto nuevo, viajar al Tibet y ordenarse monje, invertir en libras esterlinas o en algodón de alpaca peruana...

Daniel Aronowfsky hizo una película de nombre Pi (faith in chaos), una historia de matemáticos dementes como los que todos conocemos... Con tomas rápidas que cuya V tienden a infinito, esta película asitotiza a la función estilistica F (Lynch), ubicandose en la intersección del conjunto J (judíos fundamentalistas), con el conjunto Cs (científicos estresados), conformando un nuevo conjunto que he decidido llamar Omicron 9 porque tengo ganas.

Para los amantes de las películas a color: no la vean.

Acompañar con ecuaciones diferenciales, mayonesa y pequeños Einsteins fritos.

Eraserhead (1977)

2009-10-26T20:57:00.003-03:00

Eraserhead

Dirección: David Lynch
por Gad

Un desempleado en una ciudad completamente industrializada es abandonado por su mujer, acosado por su suegra, enfrentado a pollos sangrantes y humillado por su vecina. Pierde la cabeza por su reptiloso hijo seismesino y busca el paraíso en los brazos de una mujer cachotona en la estufita de su cuarto. Para ver a solas en las tardecitas de jueves con la luz entrando por los resquicios de las ventanas tapiadas, con un plato de sopa entre las manos y tostadas. Acompañar con agua y té. No se recomienda recomendarlo a las novias.

Eraserhead

Dirección: David Lynch
por Martín

Como el "American Dream" imaginado por un paciente psiquiátrico prófugo mientras duerme en una fábrica abandonada. Lynch ofrece la versión filmográfica de un puzzle que forma la figura de un tablero de sudoku terminado. Algunos afirman que a la película le faltan piezas y le sobran meteoritos. Con una estética que se gana legítimamente la tan usada categoría de bizarra, Eraserhead nos regala miedo, frustración y perversa ominosidad con chispitas de deseos suicidas. Final medianamente feliz.

No se recomienda mirarla ni recomendarla. En caso de que lo decida, coloque un dvd de los Simpsons o alguna película cómica a mano para amortiguar el posible trauma que esta película puede llegar a generar en las horas sucesivas.

I ♥ Huckabees (2004)

2009-10-26T20:51:00.006-03:00

I ♥ Huckabees

Dirección: David O. Russell

por Gisel (Gad)

Buen argumento, buen final, dinámica, divertida, bien armada y a la vez, original. ¿Qué más querés que te diga? ¿Un resumen? Imaginate que en vez de ir al psicoanalista visitás a alguien a quien le gusta “filosofear”, y lo contratás como “detective existencial”. Después aceptás terapias bizarras y verdades sobre el universo y respuestas que hacen, no que tus proyectos marchen, sino que tu vida se vaya al carajo. Y entonces tenés que fijarte qué hacer a partir de ahí, pero antes prendés fuego una casa y salís con una (suerte de) emo. Muy hilarante.

Mirala con bizcochitos y tomando mate, de tardecita.

The Simpsons Movie (2007)

2009-10-26T20:47:00.005-03:00

The Simpsons Movie

Dirección: David Silverman
por Martín

Tragicomedia de cuña ecléctica, de cortes abruptos y bifurcaciones inesperadas. Un Homero ambiguo, que admite su papel de alcohólico y padre de familia a través de una actuación que combina sutilezas y arrebatos satíricos. Epopeya posmoderna apta para todo público; Groening no necesita de recursos violentos y hace de la animación un arte de primer orden.

Para mirar y chuparse los dedos.

Synecdoche, New York (2008) - apuntes

2009-09-25T21:28:00.006-03:00

por Gisel (Gad)

Ya vi Synecdoche, New York, la primera película dirigida por el (groso, groso) Charlie Kaufman, dos veces. La primera no supe qué pensar, o sí, pero la gracia de la película, creía, radicaba en su no cerrar del todo. (Es decir, otra que Lynch.) La segunda vez no cambié de idea, pero recogí algunos datos que podrían interesar, y que dejo a continuación.

Aproximación 1, 18/09/09:

Synecdoche, NY empieza fácil, saltan tres afirmaciones ("Try to keep in mind that a young person playing Willy Loman thinks he's only pretending to be at the end of a life full of despair. But the tragedy is that we know that you, the young actor, will end up in this very place of desolation"; "I'm afraid I'm going to die. They don't know what's wrong with me. I want to do something important. While I'm still here"; "Everyone is disappointing. The more you know someone, it's just..."), y todo se vuelve terriblemente complicado; una locura de puestas en abismo muy copada como idea, muy multilegible (puntas sueltas: el papel de la ficción en general; el papel de la ficción que pasa de ser mímesis a ser independiente; la búsqueda del ser, imposible si se la toma como una tarea arqueológica, condenada a ser un laberinto de perpetua escritura donde perderse, desdibujarse; la ruptura de la linealidad narrativa, manejable, y luego cada vez más abrupta, más abismática, más vertiginosa; todo el plano simbólico o no tan simbólico -el otoño, para empezar; en fuego en la casa de Hazel-; todas las duplicidades que se elevan al cuadrado; todas las repeticiones, como patrones que se repiten una y otra vez -siempre parece estar aconteciendo alguna versión de una misma historia). Es "muy muy" (imaginen que crea una ciudad dentro de una ciudad, a lo Truman Show, pero sin Truman), muy desconfiable también, por hiperbólica e inverosímil, pero no reductible a un simple sueño-del-artista, no reductible a una imaginación (no está el recurso fácil, que sería el de Mujer Fatal, que daría algo de seguridad y permitiría una visión optimista y esperanzada, tranquilizante). En fin, es una de esas películas que habría que ver una segunda vez. Asimismo, es una de esas películas que, con sus dos horas, te hacen creer que viviste una vida. Eterna. Verdaderamente absorbente y agotador, pero si te gusta Kaufman, mirala. No está mal.
Dos parlamentos que, exagerados o no, están buenos: el del ministro y el de Millicent, por la radio. Y se pueden leer acá:http://www.allsubs.org/search-movie-quotes/Synecdoche,%20New%20York%20Es/1

Aproximación 2, 23/09/09 (apuntes y preguntas):

- La película empieza cuando el reloj marca las 7:45. Termina a las 7:45, podemos suponer. (Se dice: "now you're here, it's 7:43; now you're here, it's 7:44; now you're.... gone". Y entonces, gone como muerto, como cuando algunos dicen "daddy's gone, he's in a better place", o gone como producto del completo extrañamiento, o gone como preludio del die que va a llegar.)
- Cuando Caden Cotard sale de la casa para buscar el correo, lo está observando Sammy.
- Cuando camina con la hija, tiene sicosis (por lo de la cara) y, ella insinúa, psicosis (http://en.wikipedia.org/wiki/Psycosis)
- Derek, el marido de Hazel, era el que vivía en el sótano cuando fue a comprar la casa (¿qué fue de Derek en el interín, hasta que se casó con Hazel?)
-En la única charla telefónica que tiene con Adele, es confundido con Ellen. Antes de eso, había pasado quién sabe cuánto tiempo limpiando el sótano con cepillo de dientes. Ellen era la encargada de limpiar el departamento de Adele, al final de la película.
- Dudas (bastante pavas) hasta ese momento: ¿por qué al principiar la película se habla de Halloween (31/10) si recién es 22/09? ¿Por qué Caden se ve a sí mismo en todos lados - la tele, los afiches publicitarios)? ¿Por qué la enfermedad; cuál es el motivo? Y en general, el tiempo.
- Hazel hace sinécdoque con las servilletas. También podría verse sinécdoque en el arte de Adele. No se me ocurre en Claire. En Caden Cotard (por Cotard, ver http://en.wikipedia.org/wiki/Cotard_delusion), sinécdoque va a ser el teatro, por sólo mencionar algo. Y cada nueva relación va a tener algo de "sinecdótica", buscando reconstruir el primer matrimonio (Ariel, doppelgänger de Olive, siempre "the other child" -nunca recuerda el nombre). Y ni que hablar de ese recurrir a Tammy para poseer a Hazel.
- Oh qué casualidad, lo que no funca tiene que ver con lo sensual: comer, llorar, tener sexo. Podría suponerse que Caden tiene un escarbar desde lo racional que inhabilita lo sensual, desde la disyuntiva clásica occidental. Se podría leer desde Schiller (viejísimo, pero funca; está en las Cartas para la educación estética del hombre), o quizás desde Marcuse (maso), o desde el psicoanálisis (que no conozco) seguramente.
- Otras: ¿por qué no sabía que la esposa tenía un tatuaje gigante? ¿Por qué la casa de Hazel está en llamas? ¿Cómo existe ese super-diario-íntimo de Olive? ¿A qué viene que el libro de la psicóloga quede en blanco? (Son los elementos fantásticos, o surrealistas, de la película.)
- Más preguntas: ¿Por qué celar a María? ¿Por qué Olive habla de María y no menciona a sus otros dos padres, o a Adele? ¿Adele era homosexual?
- En el cuarto, tras la reconciliación con Claire, cuando están teniendo sexo, Caden ve que Sammy (a quien todavía no conoce) y Ariel están mirando. Luego, no están. (Hace recordar a Fight Club. La figura de Brad Pitt es vista por segundos fugaces antes de que Brad Pitt aparezca como personaje.)
- Sammy: ¿De dónde salió? ¿Por qué aparece donde no tendría que aparecer? ¿Desdoblamiento esquizofrénico, a lo El doble de Dostoievski? Al igual que en El doble, los demás lo ven. Pero, ¿por qué los demás lo ven? Sammy, a mi parecer, le servía a Caden para objetivizarse, y también porque Caden es narcisista y necesita un sentido que es dado, en cierta forma, por Sammy: Sammy lo siguió por 20 años, lo cual da importancia a esos 20 años y da relevancia a Caden. Sammy, además, es una manera de mirarse, y de evadirse. También, una ficción que cobra peso y se materializa. Una necesidad que cobra cuerpo . Después, es el que canaliza las tendencias que Caden no manifiesta: hace recordar a Caden, pero es divertido, no tiene problemas psicosomáticos, "fucks without crying", etcétera. Cuando Caden consigue lo que desea (Hazel), Sammy desaparece. Se suicida.
- En determinado momento, hablando de Adele, Sammy dice que ella tenía "sweet pussy", y cuando Caden le pregunta cómo sabe, él dice que lo leyó.
- Primer título propuesto para la obra: "Simulacro". Hay algo escrito sobre simulacro de Baudrillard (no lo leí, pero habla de Borges: http://euskalherria.indymedia.org/eu/2005/02/19340.shtml Ese cuento de Borges, lo cual resulta pertinente en este caso). También Deleuze escribió un artículo corto sobre simulacro.
- Había más, pero me aburrí de repasar apuntes. Sea dicho que al final distinguir entre Millicent, Ellen y Caden se vuelve imposible. Caden se desdibuja. De Millicent no se sabía nada. Ellen, de pronto: tiene madre, posó para Adele (y tiene la cara de Millicent), vive con Eric (Olive acusó a Caden de mantener una relación homosexual con Eric).
- Preguntas pertinentes: ¿Quién es Millicent/Ellen? ¿Ellen = Millicent? ¿Cuál es la relación de Millicent/Ellen con Sammy? (Caden llega al departamento de Adele gracias a Sammy, que le pasa el dato para "ver cómo se pierde aún más".) ¿Cómo sabía Olive de Eric? ¿Por qué Olive confunde a Caden con Ellen si es Ellen/Millicent la que está con Eric? ¿Eric está con alguien? ¿Ellen existe o existió alguna vez? ¿La secuencia es la manera en la que Caden logra canalizar impulsos homosexuales negados/reprimidos, mediante su transmutación en mujer/Ellen? ¿Es una manera de vivir esos impulsos, lo que no podía vivir directamente, proyectándose en Ellen? ¿Ellen = Millicent = Caden? ¿Caden=Ellen? ¿Caden≠Ellen?
- Más preguntas pertinentes: ¿Quién dejó el mensaje de que Adele está muerta? Es una voz de hombre: ¿Eric? (Pero es demasiado formal, y según Olive, Eric era el amante de Caden.) ¿Por qué se marchitó Olive? ¿Pasó o no pasó algo con Hazel? ¿Cuántos años tiene Ellen? Eric es joven: ¿cuándo comenzó el romance Caden-Eric según Olive, si 20 años atrás Eric debía ser todavía un adolescente, y Caden ya tenía cerca de cuarenta años?
- Otra manera de mirar el asunto: en el momento en que Millicent asume la dirección, Millicent/ex Ellen es Caden, y Caden es Ellen. Millicent-Caden está con Eric. ¿Millicent descubre, asumiendo el rol de Cotard, la homosexualidad latente de Caden? Pero entonces, ¿a qué viene la figura de Caden-Ellen?
- Millicent lee en la figura de Caden Cotard, cuando se propone interpretarlo en la obra, que él es un hombre que ya murió, que está "entre estasis y antiestasis", "que intentó dar sentido a su vida y ahora es una piedra". Millicent redirecciona la vida de Caden, la re-interpreta. Le cambia el rumbo. Explora caminos que Caden no había explorado, expresa la condescendencia, rompe el egotismo, señala la insignificancia de Cotard. Se vuelve una voz en off casi superyóica, también.(Lectura bizarra, más que bizarra: ¿Ellen=ello; Caden=yo; Millicent=superyo? Pero no, porque la intervención de Millicent supone un acercamiento de Caden a Ellen, bah, una "transformación" de Caden y en Ellen, y el superyo no hace eso con el ello.) O, si no superyoica, casi una "voz de la consciencia".
- Al final, el teatro es la ciudad, como en el cuento de Borges. El teatro borró la ciudad, o la ciudad se reveló como teatro, con todos esos sueños incognoscibles. La vieja que buscaba a Ellen, la que al principio vivía en la "ciudad real" (suponemos), ahora vive dentro de la "ciudad ficticia", y eso no le preocupa demasiado. No parece darse cuenta.
- A lo largo de toda la obra, se trata de dar un nombre (a la obra): dar un nombre es reordenar, definir, cristalizar. El nombre se vincula, también, con esa voluntad de encontrar un enfoque valedero; es reconstruir desde una nueva perspectiva. La obra, al final, sigue sin nombre y abierta en su enfoque (no cierra: "Caden: Tengo una idea. Pienso que si todos... / Voz de Millicent: Muere.") Y Caden, al final, perdió su nombre.

Extra: El tema (bastante cursi, pero que, letra+música, hace una buena combinación) de Synecdoche, New York, que aparece: 1)en el bar al que lo invita Hazel, cantado por una mujer; 2)como cortinilla musical, al finalizar la película.

I'm just a little person,....................Yo soy una pequeña persona
One person in a sea........................una persona en un océano
Of many little people.......................de mucha pequeña gente
Who are not aware of me..................que no sabe de mí.

I do my little job............................Hago mi pequeño trabajo
And live my little life,......................y vivo mi pequeña vida
Eat my little meals,.........................ingiero mis pequeñas comidas
Miss my little kid and wife.................extraño a mis pequeñas hija y esposa

And somewhere, maybe someday,........Y en algún lugar, quizás algún día
Maybe somewhere far away,..............quizás en algún lugar lejano
I'll find a second little person.............[encontraré una segunda pequeña persona
who will look at me and say,..............[que me mirará y dirá:

"I know you..................................."Te conozco
You're the one I've waited for..............eres el que estuve esperando
Let's have some fun.".......................divirtámonos."

Life is precious every minute,..............La vida es preciosa cada minuto
and more precious with you in it,..........y más preciosa contigo en ella
so let's have some fun.......................así que divirtámonos.

We'll take a road trip way out west.........Viajaremos en coche hacia el oeste
You're the one I like the best................eres el que me gusta más
I'm glad I've found you,.......................me alegra haberte encontrado
Like being around you........................y estar cerca tuyo
You're the one I like the best................eres el que me gusta más.

Somewhere, maybe someday,..............En algún lugar, quizás algún día
Maybe somewhere far away,................quizás en algún lugar lejano
I'll meet a second little person.............[encontraré una segunda pequeña persona
And we'll go out and play...................[e iremos afuera a jugar.

Jon Brion, "Little Person", Synecdoche, New York

La Grande Abbuffata (1973)

2008-08-28T21:24:00.007-03:00

Tortellini alla panna con funghi

La gran comilona, o el suicidio gastronómico, por Gisel (Gad)

Se la conoce como La Grande Bouffe. También, como La Grande Abbuffata. Dirigida por Marco Ferreri, esta película de 1973 fue considerada en su tiempo lo suficientemente escandalosa como para algunos abandonaran el cine indignados. Y también fue censurada, por supuesto. Tiene situaciones "cómicas" donde predomina lo escatológico, es cierto; hay, también, hechos absurdos, y pareciera predominar lo grotesco, pero todo eso no podría hacerla "vulgar". En realidad, más que mostrar, la película insinúa, juega con el espectador. Eso, la naturalidad con que surgen las situaciones y las actuaciones, así como la música y la ambientación en sí, la hacen una de esas películas que es mejor ver. Y como cosa extra que a mí me parece positiva, podría mencionar la ausencia de juicios morales que alteren la caracterización de los personajes. Más allá de lo satírico de la película, la interpretación final depende enteramente del espectador.
Básicamente, se trata de cuatro amigos que se juntan para comer hasta morir, porque como dice Michel (Piccoli), todo lo demás es un epifenómeno. Se instalan en la casa que Phillipe (Noiret) heredara de sus padres después de separarse cada uno de sus conocidos (la escena del principio del juez con su "niñera" está particularmente buena), se aprovisionan de comida, cocinan y comen. Luego contratan putas, e invitan a la maestra que será la única en permanecer hasta el final, con la misma insaciable tristeza. Y comen, siguen comiendo a pesar de que el cuerpo no resista, porque como dice Ugo (Tognazzi), "se tu non mangi, tu non puoi morire"*, y ese es el objetivo. Es como si el hedonismo consumista fuera el que, de una manera u otra, los mata a los cuatro, quienes a su vez hicieron del consumo su forma de vida, quizás para enfrentar el sin sentido de sus existencias, quizás como un retrato extremo de la sociedad que los rodeaba, superficial y de ritmo febril. Y de esa larga velada sin fin, el espectador que asiste impasible a la celebración mortuoria se queda con los chistes de sobremesa, con alguna que otra frase llamativa y con el malestar subsiguiente a la comilona, que es como un gusto agrio en la boca. La vida es el relleno, y la carne fría cuelga en el jardín.
En fin, vale la pena mirarla, y si no les gusta... qué se le va a hacer. Dejo la única versión de la canción que conseguí.

*Si no comes, no puedes morir.

The straight story (1999)

2008-03-09T21:22:00.006-02:00

por Gisel

The straight story, una historia sencilla y directa sobre la familia y otras yerbas semejantes. Básicamente, se trata del viaje de Alvin Straight desde Iowa hasta Minnesota tras enterarse del infarto de su hermano. Casi ciego e inhabilitado para conducir, deja a su hija Rose en casa y parte en una podadora. Se cruza con sujetos peculiares y no tanto, y a partir de ahí se desarrolla el argumento, a veces un poco lento, pero de acuerdo con la música, el tema y los paisajes.
Podría considerarse una película algo moralizante si se toma a Alvin, que alcanzó la vejez y posee toda esa sabiduría, como un ejemplo de conducta, o un "paradigma", pero creo que sería simplista reducirlo todo a eso. También se puede considerar como una crítica algo tangencial a la 2° Guerra Mundial y una mirada firme pero no inflexible sobre el alcohol (al final Alvin hace las paces con la bebida). Pero no es sólo eso, porque también tiene partes risueñas (como la del venado), y la situación en sí es graciosa.
Dos temas que sobresalen, o sobresalieron para mí: la importancia de la familia, y la vejez. Dos escenas: el encuentro con la chica embarazada, y la noche con los ciclistas. Respecto a la primera, tenemos un desenlace conciliador que hace sentir bien al viejo y al espectador: un atado de maderas, firme. Mensaje directo, pero como cosa mía, tengo una objeción: la madera se pudre, la familia se disuelve. Son finitas. El tiempo es inexorable y los hombres aún más.
La vejez y la pregunta del chico, "¿qué es lo peor de ser viejo?". El viejo contesta: "recordar cuando eras joven". ¿Por qué? ¿Porque la juventud es irrecuperable, o porque entonces se era más ignorante y aguerrido? Yo creo que ambas interpretaciones son válidas.
Un último tema, que en realidad explica el viaje de Alvin: hacer las paces. El viaje es una gran reconciliación con el mundo de parte de un tipo que al cabo de tantos años no se dio cuenta de nada que no supiera antes, pero sí decidió dar un paso, o mejor dicho, arrancar la podadora. La podadora que también es una metáfora. Un viaje catártico, un corte con los errores del pasado y una reconciliación con el mismo, un "final feliz", mirando las estrellas como al comienzo, una vuelta, la contemplación de un más allá de posibilidades infinitas.

PD: Es decir, un viaje redentor, como el purgatorio antes del paraíso estrellado.

Eraserhead (1977)

2008-01-30T21:20:00.007-02:00

por Gisel

Yo pensé que Henry, un tipo escindido y fragmentado, era o se veía en su "bebé". Vive alienado en una sociedad muerta, industrializada hasta el hartazgo. Encima, ni siquiera trabaja: está de "vacaciones", probablemente de paro, y se siente completamente vacío. Mantiene relaciones con una chica a la que de pronto no ve más, hasta que lo llama para enterarlo sobre su bebé, un prematuro. Abunda la sangre chorreante, los huecos, los retornos. In heaven. Para mí, Henry es el prematuro, Henry el que se siente arrancado del "heaven" y para hacer frente a eso borra (como "eraserhead") los hechos; los obvia, los pasa de largo. O bien, se borra a sí mismo, se anula para no dar más paso al miedo. La mujer es, a la vez, algo deseable y una amenaza. Deseable la comunión, el retorno al líquido lechoso (como ejemplo, la escena con la vecina, el hundirse en un charco blancuzco mientras el "bebé" llora), al espacio; amenaza es la voracidad, la fecundidad, el grito de los chicos-cargas potenciales. Henry arranca "fetos" de su esposa, y es usado por su vecina, por la proximidad lejana de una devora-hombres. Se refugia en el "teatrito" del calefactor, donde la chica de cachetes inmensos aplasta a los fetos y habla del paraíso. Habla del paraíso luego del acto sexual, cuando él se hunde en el líquido, cuando la mujer-ovario se hunde con él, pero más tarde. "You got your good things, and I/you got mine". Pero apenas se estira para alcanzarla lo abandona con su luz, y él pierde, literalmente, la cabeza. Su cuerpo (lo "real", lo consciente) es colonizado, dominado por el "bebé-reptil", por el prematuro, el expulsado tempranamente del útero, de la tranquila oscuridad espacial, del vacío. Henry es embargado por la preocupación del "hijo", dominado por ella, que se adueña de él en todo sentido y lo desplaza. Henry ya no es Henry, está des-centrado, expulsado por algo que no representa más que todos esos fetos que lo atormentaron anteriormente. Fetos que no tienen por qué implicar solamente miedo a ser padre, puede ser interpretado como una metáfora mucho más amplia: la reproducción de lo sofocante, de lo alienante y desnaturalizado en medio del paro, la imposibilidad de trabajar (el "bebé" no lo deja salir de la casa) y, asimismo, el trabajo continuo que representa esa carga. Henry es desplazado por el prematuro, y así, Henry es prematuro. Prematura cara, prematura preocupación, prematuro abandono del [luminoso] paraíso. Su cabeza es vendida al primer postor y se emplea para hacer goma de borrar. Su cabeza borra y pierde, se fragmenta, se dispersa. Y el empresario la compra gustoso, para transformarlo en eso. Para borrarla, anularla, enajenarla y sacar provecho de eso. Henry acepta.
Entonces despierta y ve el engaño, oye la risa. Lo abandonaron otra vez: la vecina no está, tampoco está en su casa; el "bebé" se burla de él. Es una risa rencorosa, del hijo al padre, de abandonado a abandonado. El "bebé", que había sido callado (sólo había exigido su permanencia; Henry se fue para hundirse en el charco), se venga. Quizás, Henry se venga de sí mismo a través de la figura del hijo. La cuestión es que entonces decide desvelar lo oculto y rompe las vendas. Quedan a la vista los órganos y los "apuñala" con la tijera. En parte, se libera, pero queda expuesto. Lo que lo atormenta crece y lo persigue: es un bebé-reptil, es un óvulo, es un planetoide como isla que se rompe. Su cabeza se rodea de goma de borrar, pero Henry deja de huir, avanza a las profundidades, entra al óvulo, al planetoide, y ve al hombre trabajando febrilmente el metal (es él mismo, tal vez). Lo rodea la luz, el paraíso, y la chica lo abraza. La chica también puede ser una faceta de él mismo que ahora sí puede asir, con la que ahora sí comulga. Fue todo como un viaje de descubrimiento, un descenso a las profundidades, al espacio, al principio. Y entonces sí, la luz paradisíaca vista en sueños, la que se le escapó tras rozarla con la mano. Pero todo eso podría no haber pasado, ni el aborto, ni la vecina, ni nada, podría ser todo una gran experiencia onírica elaborada a partir de lo que se muestra al comienzo de la película, una proyección de los miedos del que maquina todo. La película no tiene verdadero final. Henry pudo no haberse movido a ninguna parte.

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Lynch te da un lienzo manchado, un pedazo de corcho, un techo de madera donde buscar figuras y deja que vos lo armes, le des un sentido. Te presenta un misterio, pero no un rompecabezas o un laberinto. Eso es lo genial.

Otro trabajo de Eraserhead aquí.